当社会对艺术的关注热情日渐升温，青年艺术也成为了一种新的现象。在与市场紧密结合的情况下，大量青年艺术工作者开始尝试不同风格样式的创作。他们的艺术与这个时代相随，他们所拥有的是对艺术和生活的不同理解。在迅速交流的社会信息和快速的节奏面前，青年艺术传递出来的前卫姿态和对艺术趋势的把握，是最具有特色的一面镜子。通过他们的生活创作和艺术面貌，或许能打开观察艺术变化的窗口，同时也是抓住未来的趋势和可能性。

松美术馆作为当下年轻人的打卡聚集地，近两年以“轻/松计划”呈现了对青年艺术多元面貌的关注。本次“流动的本能”是松美术馆推动艺术生活化、年轻化的一个尝试，展览由孙大可策展，Cranehehe、鞠腾、凌海鹏、卢琳、任正楠、袁乐 —— 6 位青年艺术家参展亮相。这也是疫情之后，国内美术馆带领观众重拾对艺术的热爱，重新理解青年艺术价值的一次探索。

TRENDSHOME: 新展“流动的本能”最近引起了很多观众与藏家的兴趣，对于这个青年艺术的展览主题您当时是如何构思的？

孙大可：事实上，我想表达的是一种在流动中的多元面貌。“流动”，是一种变化的状态，同时也是当下艺术领域的突出图景——它已经不是一种纯中心化状态了，艺术评价标准的固定模式已经逐渐被多元化所取代，同样，在艺术评论、策展与青年艺术家的创作中，也体现出了这种多元性、无常性。

这里所说的无常性，不是一种贬义，而是在不确定当中拥有更多选择的权力。所以，“流动”更加强调的是一种不确定性，这种不确定性可能给创作者带来更多的机会。在这种状态下，艺术家在辖域化和解辖域化的过程中，最终寻求一种本能的内心创作欲望。通过“本能”状态不断向前流动，从而进行一种更好的艺术创作。

TRENDSHOME: “多元与流动”的现象是指？就今天而言，它反映了您对哪些现实问题的观察与思考？

孙大可：从国内艺术场域本身来看，疫情之后，短频快的信息每天冲刷着人们的世界，信息的无序化也冲刷了当代艺术的发展。这其中最重要的影响便是对作品本身观念的浅显化与无序化。因为艺术观念的不确定，导致艺术家们只能不断在形式方面下手，从而补充观念深度、广度不够的情况。这种现象尤其体现在部分青年当代艺术创作者的作品当中。

在碎片化的时代下，“最终”结果越来越不具有可预见性。但是，人性趋向稳定，我们都希望得到一种确定的答案。观察中国近几年的当代艺术发展，这种不确定性越来强烈，我们只能从不确定的流动中抓取多种可能。

TRENDSHOME：可否介绍下此次参展的个别艺术家，以及他们所关注的问题？

孙大可：今天的社会现象多少反映到了这些青年艺术家的身上。比如说，鞠腾的作品《万国坤舆图》是对他成长过程中回忆的整合，包括一些生活碎片或游戏的场景。观众在面对他的作品时，会潜移默化地想到自己所发生的一些事情，我会将其归纳为一种“符号”的流动。

凌海鹏的作品更像是某种结构的图纸。因为他本人喜欢研究哲学，或是数学这种比较抽象、逻辑性很强的东西，创作的画面也是非常理性的一种状态。因此，我认为这是一种艺术“形式”的流动。

卢琳的作品则是一种“景观”的流动。这次展览上，我选择的是艺术家 2018-2022 年间的作品，通过时间的痕迹呈现出作品新旧交替的状态。

包括像任正楠的作品，也反映出了对社会的碎片化记录。

 Cranehehe 艺术创作小组 

《繁花入梦》《Flower》、《Nothing》 

 102 x 102 cm，收藏级纸本，2022 

袁乐的作品更接近一种“速度”的流动，他的作品是充满动感的，体现出一种真诚与炽热的状态。

Craneheh 的画面，会更突出自我“内心”的流动。所以，每个艺术家都还是能反映到现在青年艺术团体的状态——一种流动的本能的状态。

TRENDSHOME: 纵观整个展览，我们能看到新一代青年艺术家的集体出场，他们多少都是拥有自己流动的特质的。但不知道你在与这些青年艺术家的接触中，有没有抓取到他们群体更加不同的一面。

孙大可：我们最近也在筹备另一个青年艺术家的群展“我们这一代——90 后的艺术”，在山西省当代美术馆。在跟艺术家聊天的过程中，我明显能感觉到他们表达的真诚。首先，相较于宏观的普世价值，他们更专注于对个体感受价值的抒发。其次，相较于对艺术本体的关注，青年艺术家达成艺术手段的方式更加直接，形式的选择更加多元。这有赖于青年一代物质材料的丰富以及对艺术多元化的理解。

其实，进入真正的 90 后青年艺术，基本就像开盲盒一样。在我看来，他们已经真正进入了后媒介时代——从他们这一代人开始，媒介已经开始混合了，艺术创作都处在流动的状态中。同时，艺术家们其实都不愿意在某种不同的阶段呈现同样的状态，他们也一直都在探索。因此，当你进入到一个展览空间中，每件作品都会带给你无法预知的感受，同时所有作品又形成一个新的整体，让人产生情感上的波动。这是艺术家自己与他人联结成的一张网，一张不固定的网，并不断地往前飘动。

TRENDSHOME：下一个的展览也是关于 90 后青年艺术家的群展。可以谈谈在青年主题的持续深化中，你觉得逐渐感受到了艺术家何种探索性的新方向？

孙大可：“我们这一代—— 90后的艺术”展览由我和谷品桥、贾浅烦共同策展，主要包括四个板块：“内在声响”、“身临其镜”、“存在之间”和“曝光过载”，对应了真实与虚拟、消费主义、符号与存在等等问题。其实我们还想划分更多的板块，像探讨生物艺术和数字艺术等等。

为了准备这个展览，其实我们也从国内 200 余位青年艺术家中，筛选出了 30 人左右。作为研究者，我所考虑更多的是具有观念性、表达社会问题的青年艺术的一面。所以这次，其实影像的作品我可能会选择更多，因为它是最能直接去表达艺术家观念的。

比如马海蛟的作品《家庭分裂主义》，其实就是通过一个信件和油画的视频，去表现一个虚构的返乡人的故事，从而探讨家庭社会的问题。

作为青年策展人，我关注的更多是观念内容，形式内容可能相对来说往后。还有一位青年艺术家李琳琳，她相对比较早期的装置作品《十日谈》，也很出圈。作品对我们学生时期的课桌内部进行了一个世界的搭建，每个课桌都是不同内心世界的表达。

还有苏永健，他做艺术与科技的内容，这次我们选择了《自由落体》，是一个电子控制的装置。时子媛的《声象》也是一种声音艺术，她更强调模拟自然的声音，作品可以进行互动。就不一一介绍了，到时候大家有机会可以去看看。

TRENDSHOME: 目前在松美术馆的展览也开了几周了，收到了怎样的反馈？

孙大可：信息反馈的话，当然有好有坏。好的话，因为我选择艺术家的作品都是按照时间线发展来的，就比较全面，能够反映他们较为完整的创作体系。而且大尺幅的作品，也最能完整体现他们的创作状态。但是肯定也有声音，比如说这个展览的媒介相对比较单调。

但是我觉得其实都没太多所谓。我们都是青年人，我们不断在汲取经验。而且我最强调的一点就是，我们 90 年青年艺术家和青年策展人都要抱团发声。策展人，其实是一个以学术为支点的社会活动家，我们要真正发掘好的艺术家。

TRENDSHOME: 这也是你继续做青年艺术展览的原因吗？对于青年艺术家的创作生态来说，你想再说点什么？

孙大可：随着这一代艺术家声音逐渐被听见，其实同样也导致了他们的一种艺术迷茫状态，原因很复杂。近两年，针对“青年艺术家”的展览、论坛多了起来。青年艺术工作者也以不同的面貌出现在大众面前。但缺乏相伴的艺术理论构建体系的支撑，以及大量资本的涌入，使得青年艺术家被标签化。

可以说，许多青年艺术家的展览是被“攒”出来的。一方面，为增加辨识度从而迎合资本，这样的展览会直接导致青年艺术家创作固化。另外，这样会使得青年艺术家难以扩展其艺术观念的深度与广度。流量为艺术家带来强烈的自身满足感，青年艺术家逐渐模糊了观念与流量本身的关系，从而深入影响其创作的状态。

这一代的迷茫使得身处流变中的我们悲喜交加。我们能够看到前方隐约的光明，但却暂时无法到达。所以，我希望更加强调和激发“我”的重要性，推动艺术家沉浸在一种纯粹的工作状态中，这种状态对于青年艺术家来说更显弥足珍贵。不同时代艺术被赋予了不同的使命。艺术工作者的艺术创作被流变决定的同时，也决定了这个时代的声音。